三菱一号館美術館公式ブログ「<歴史資料室で個展開催中!「アートアワードトーキョー丸の内2016」で三菱地所賞を受賞した吉田桃子さんインタビュー③>」

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2017年5月3日

<歴史資料室で個展開催中!「アートアワードトーキョー丸の内2016」で三菱地所賞を受賞した吉田桃子さんインタビュー③>

皆さま、こんにちは。
前回に引き続き、三菱一号館 歴史資料室で開催中の、「アートアワードトーキョー丸の内2016」三菱地所賞受賞者、吉田桃子さんの個展「scene UKH ver.3」について、吉田さんご本人にお話をお伺いしました。今回が最終回です。
(聞き手:三菱一号館美術館 学芸グループ長 野口玲一)

―続いて、作品の印象についてお話を伺いたいと思います。作品の青みがかった色調が独特なのですが、それは映像の色味からくるのでしょうか。

映像を撮って、その動画のワンシーンから見ているので、やはり動画的な色味ではあると思います。動画を撮るときの光の感じなど、その時は意識していないですが、私の好みだと思います。私が描いている漫画は自分に近いので、とてもかっこ悪いものだと思っていて、それを絵にするときにはクールにしたい、カッコよくしたいという願望があります。
ドライに、あるいはクールにしたいという願望から、撮影の段階で青い光を当てることもあります。

―作品の仕上げに対してもこだわりを感じます。
絵具が滴っていたり、キャンバスの端が丸められていたり、木枠に張らないでスクリーンのように見せたりしているのは、あえて作品を完成させたくないというような意味があるのでしょうか。

そうですね。木枠に張ると、ちゃんと描かれたというイメージが強くなると思います。もちろん作品はしっかりと描いてはいるのですが。
私が見せたいのは、どちらかというと頭の中のワンシーンが、一瞬でパッと焼き付けられているような、そんな状態なのです。そんな軽やかさに加えて、ドライにしたい、作家性というものをあまり表に出したくないと思っています。そう考えて「転写」という手法を思い描いています。実際には直接に描いているのでは転写ではないのですが。
キャンバスを、転写された下地であると捉えて、そこに何かを置いて転写したらすぐに作品が出来るというようにイメージしています。キャンバスの隙間が開いているのも、「転写するときに雑においたので、隙間が出来てしまった」という感じに見せたいのです。隙間が空いていたり、丸まっていたりするのは、キャンバスに描かれたものというより、単なる下地であるように見せるための工夫です。かつて、キャンバスをきちんと同じサイズの板に貼っていた時期もあったのですが、それは、今のところ自分の意図しているものと違うという感じがしています。

―映像が元になっているので、スクリーンを思い描いたのですが、それよりもっと軽く見せたいということのようですね。キャンバスの大きさに加えて、ラフな展示をされているので、最初に見たときには驚きましたが、そこに説得力が感じられて、とても面白かったです。

―当館の歴史資料室は歴史を感じさせる建物で、ホワイトキューブでなかったり、家具が置かれていたり、これまで展示されてきた空間とは趣きが異なっていたかと思います。その点について感想があれば、聞かせてください。

私の作品には、コンクリートの壁が合うなと思っていたので、正直なところ少し展示しにくかったです。ただし作品がどんな場所にも合うということは大事なことで、とても良い経験になりました。この展示スペースと私の作品がマッチしているかといえば、必ずしもそうとは言えないかもしれませんが、今では良かったかなと自分では感じています。

―こちらも実は不安なところがあったのですが、完成してみると、何といえばよいのか、逆にきちっと仕上げないことによって、空間が生き生きとしてくるという感じを受けました。たった今吉田さんがやってきて、作品を置いて、ぱっといなくなってしまった、というような。建物はオーセンティックな雰囲気ですが、風通しがよくなっているようで、それはとても面白かったです。

ありがとうございます。今回の展示は良い経験になりました。搬入からちゃんと見て、展示もして、あの作品がどのように見えるのかというのは、自分の中で消化していきたいなと思っています。

―最後になりますが、こんな作品を作ってみたい、展示をしてみたいという今後の希望があれば教えてください。

ずっと立体に興味があって、作ってみたいと思っています。ただし立体については、自分の中で良し悪しの基準がないので、どうやって完成させたらよいか分からず困っています。
展示ケースの中のOHPフィルムの作品が、立体のためのドローイングです。立体制作のために金具をいくつか集めたのですが、溶接の技術がないので、画像に撮ってパソコンで組んでいきました。この方法から始めて、いずれ大きな実物を作って展示してみたいと思っています。

―制作の元になった映像の登場人物にアーティストがいて、彼が立体を制作するという設定で、ドローイングはその立体を描いたものだそうですね。立体が実現したら観てみたいですね。

そうですね、それと絵を組み合わせてみたら、どう見えるのかという事も今後やってみたい展示です。
それには大きさが必要で、しっかりと作らないとかっこよくならないと思います。もっと大きな空間で、天井が高い場所で展示出来たら、大きなサイズの立体を展示してみたいです。

―自分のアイデアを形にするというのは、いろいろなプロセスやスキルが必要になるということなんですね。

時間はかかるとは思いますが、自分のアイデアを形にするスキルも身に着けられるように少しずつ頑張っていきたいと思います。

―いろいろお話頂きまして、有難うございました。

<吉田桃子さんからのお知らせ>
京都にあるアートゾーンにて5月12〜14の三日間、個展形式で展示が開催されます!
ARTZONE
◆吉田桃子さん作品については、こちらをご覧ください。

2017年5月2日

<歴史資料室で個展開催中!「アートアワードトーキョー丸の内2016」で三菱地所賞を受賞した吉田桃子さんインタビュー②>

皆さま、こんにちは。
前回に引き続き、三菱一号館 歴史資料室で開催中の、「アートアワードトーキョー丸の内2016」三菱地所賞受賞者、吉田桃子さんの個展「scene UKH ver.3」について、吉田さんご本人に作品や展示について、お話をお伺いしましたのでご紹介します。
(聞き手:三菱一号館美術館 学芸グループ長 野口玲一)

―映像を作るときにマケット(模型)を作って撮影されているという事ですが、音楽とはどのような関係があるのでしょうか。

映像を作る上で、音楽はストーリーにはほとんど関係していません。自分で描いた漫画が元になっています。ストーリーや世界観が前提にあって、それに合う音楽を探してくるという感じです。自分の気持ちが盛り上がるかどうかで決めてしまいます。
マケットを作る際、光や人物が動いているというイメージはあるのですが、風景をイメージ通りに描くのが難しくて、自分でも困っていました。解決策として、ネットで検索してイメージに合う画像を沢山印刷し、それらを組み合わせてマケットを作っています。実際には作りこみがかなり粗い部分もあるのですが、カメラで撮影していくと、ある時リアリティが出る瞬間があって、そんなふうにやっています。

―なるほど、素材として必要な部分は作りこみ、不要な部分は省略してしまうという事もあるのですね。

―音楽は具体的な楽曲があるわけではないのですか?

いえ、音楽は全て具体的な曲があります。普通にある曲です。
作品に番号をふっているのですが、タイトルが同一のものは同じひとつの曲からくるワンシーンということになります。個展を開催するときは、同じ曲のワンシーンの集積で一つの展示空間を作っています。シリーズで作品を作り、曲を変えていきますが、2年間くらいは同じ曲から作品を作っています。

―ちなみに今回はどのような曲を使っているのですか?差し支えなければ、曲名を教えて頂けませんか。

曲は言えませんが、ジャンルは、「エモ」と呼ばれるロックです。外国人が歌っている英語の曲ですが、情緒的というか感情が高ぶるというのか、切ない感じの音楽です。

―今回の作品についてお伺いします。登場人物の主人公がアーティストで、彼が作った作品が展示されている、という事をおっしゃってましたね。

この主人公も日頃私が描いている漫画のキャラクターなのですが、その漫画の登場人物には、全て私を投影しています。作品の元になる漫画は人には見せません。なぜその漫画を描いているかというと、自分自身の嫌な部分や、理想を受け入れるためなのです。
自己を投影した登場人物は、見た目は自分の好みで作っています。そこに自分の内面の醜いと思う部分や性格などをあてはめると、自分から引き離すというか、客観視することが出来る気がします。見た目だけは好みなので救われることがあるんです。
それから、自分の理想とする姿、自分は絶対になれないけれど、憧れているものをキャラクターにしてストーリーにすることでも、救われる気分になります。
よく出てくる金髪の男の人は、私の理想形なのです。若いアーティストで、海外で個展をしているという設定です。それは今の自分の姿から隔たっているのですが、その理想をギャグ調の漫画にすることで、現在の自分の状態を受け入れることができるのです。最近そのことに気付きました。

―なるほど。お話を伺っていると映像だけでなく、漫画も制作にあたって重要な意味があるのですね。

漫画のキャラや音楽に込めている感情、その時の気持ちというのは一過性のもので、二年位たったらきっと感じ方や好きなものが変化してしまうと思います。そうなる前に保存しておきたいんです。
それが一番の原点です。

次回は、作品の印象についてのお話をご紹介します。
◆歴史資料室での吉田桃子さんの個展「scene UKH ver.3」概要はこちら

2017年5月1日

<歴史資料室で開催中!「アートアワードトーキョー丸の内2016」で三菱地所賞を受賞した吉田桃子さんインタビュー①>

皆さま、こんにちは。現在 三菱一号館 歴史資料室では「アートアワードトーキョー丸の内2016」三菱地所賞受賞者吉田桃子さんの個展「scene UKH ver.3」を開催しています。吉田さんご本人に作品や展示について、お話をお伺いしましたのでご紹介していきます。(聞き手:三菱一号館美術館 学芸グループ長 野口玲一)

―まず、音楽映像から作品を制作するようになった経緯を教えてください。例えばカンディンスキーなど、音楽を絵画化する人はいますが、そこに映像を介在させて絵画にするという方法は現代的で、あまりないように思います。

そうですね、音楽についてはよく言われます。
音楽を聴きながら映像を想像するのは、子供時代からずっと続けてきました。
私は趣味で漫画を描いているのですが、それが実写化されたような形で、映画やドラマのオープニング、あるいはプロモーションビデオのように動いて欲しいという願望があります。音楽はその架空の動くイメージを誘うきっかけのようなものです。カンディンスキーのように音そのものが重要なのではなく、音楽は過程にすぎません。
1曲の時間が3分から5分というその短かさが、私にとっては重要だと思います。あまり集中力がないので、3分程度がちょうど良いのです。自分の好きな音楽が、世界から自分を遮断してくれるのです。

―音楽の物語やストーリー性を、絵の中に持ち込みたいという感覚なのでしょうか。

それは少し違っています。音楽のストーリー性というよりは、自分の妄想上のキャラクターの心理状態を抽象的なイメージに変えていって、その世界のオープニングテーマ?というか、妄想全体の縮小版として凝縮させています。絵の中にストーリー性はほとんどありません。

―映像がもつ高揚感やライブ感といった、感覚的なものを表現したいということでしょうか。

そうですね、そのような部分もあると思います。絵にする前に、映像を撮るというプロセスがあるのですが、自分の高揚したイメージを、一度変化させるというという事も大事だと思っています。
もともとの漫画や妄想の世界から距離をとっていき、最終的に作品となるときには、最初のイメージは自分からとても遠いものになっています。

―イメージを相対化するということでしょうか。

自分の最初の表現からあえて距離をとることによって、はじめて他人が入ってこられる余地が生まれると思います。最初のままだと、元が漫画なので同人誌的なものになってしまう。同人誌はアートとは方向性が違うと思うので、広く共有できる状態にしたいのです。

―広く共有するために、絵画という形式が必要という事でしょうか。

そうですね。

―絵画の分野では、描くには困難な表現に挑戦することが歴史的に行われてきました。たとえば光を描くことであったり、時間を表現することであったり。高揚感や感覚的なものを描くというのは、そのような挑戦ではないでしょうか。

そのような面はあると思います。実際、動画を撮影したほうが早いと感じることは多いです。例えば、光も動画だったらそのまま写すことが出来るけれど、絵画で光を表現することはとても難しいです。

◆歴史資料室での吉田桃子さんの個展「scene UKH ver.3」概要はこちら

次回へ続きます。